1 La creatividad y la motivación

Algunos grupos identificaron, que en muchos casos, la tendencia es crear sin esperar remuneración y, más bien, de buscar reconocimiento social (que en la práctica puede ser muy limitado). Se agregó que normalmente no es necesario pagar por el trabajo creativo cuando lo realiza uno mismo, o es cotidiano y hecho con cariño o para compartir con amigos, familiares o con la comunidad. Sin embargo, hay personas que viven del trabajo creativo, y éste debe ser pagado. Como se dijo en un momento, “todo trabajo creativo debe ser remunerado.” Por otro lado, también se dijo que “el arte se hace de corazón…no para recibir plata.”  Se sugirió que tal vez la diferencia entre el trabajo creativo que debería ser remunerado y el que no puede ser determinada por las formas de relaciones interpersonales que existen. Por ejemplo, algun@s consideran que cuando el trabajo creativo es interno a una comunidad no debería ser pagado, pero cuando esta creación transciende los límites locales, sí debería serlo. Se dijo que el trabajo creativo es parte fundamental de lo que significa ser human@, pero que también hay que reconocer cómo el significado de este trabajo cambia con el mercado. Se mencionó que la plata cambia el significado de la creatividad y de las relaciones sociales alrededor del trabajo creativo.     

Iván Nogales y Juan Baptista Parapaino -  Fotografía: Phoebe Smolin

A pesar de las distintas visiones que se presentaron sobre la cultura y sus dinámicas, hubo consenso en afirmar que la creatividad es también un campo de relaciones de poder, y que ello muchas veces es olvidado o marginado durante las discusiones sobre estos temas. En esta conversación, se mencionaron las palabras “arte” y “artista” por un lado y “cultura” por otro. Esta es una división que hasta cierto punto refleja tales relaciones de poder y sobre la cual debemos cuestionarnos de forma crítica.     

Durante el transcurso de las conversaciones sobre este tema, l@s organizadores hicieron breves intervenciones sobre enfoques dinámicos y globales de la cultura y la historia de los derechos del autor.  Por ejemplo, a menudo se escucha por parte de las sociedades de gestión de derechos de autor que la remuneración es un estímulo clave para la creatividad y que, sin ella y sin su debida protección como propiedad intelectual, la motivación para crear puede desaparecer. Sin embargo es importante recordar que, en algunas leyes históricas, el autor o la editorial con licencia podía monopolizar los derechos de su obra solamente por un tiempo limitado (por ejemplo, el Estatuto de Anne de Inglaterra –1710–, las protecciones tenían una duración de 14 años, con la posibilidad de extenderse por otros 14 años adicionales). Después de este período, la obra pasaba a ser de dominio público, convirtiéndose en una base para la creatividad de otros para así estimular la competencia entre los propietarios de estos derechos. Se habló también de las grandes extensiones de los plazos de tiempo durante los cuales se protegen los derechos de autor hoy en día. Se habló también del estado actual de los derechos de autor en Bolivia, de las explicaciones dadas por el OMPI y el Convenio de Berna.  Se habló también de los retos que han enfrentado los músicos norteamericanos de hip hop que trabajan con la estética de lo remezclado (ver los estudios de caso y el glosario).     

Mario Peñaranda y Ramón Caizari Coca - Fotografía: Phoebe Smolin