1 La creatividad y la motivación
Para profundizar en el tema de la creatividad y sus motivaciones, el taller arrancó con las siguientes preguntas para ser discutidas primero en parejas y luego en grupos:
Actividad 1 - Las motivaciones para la creatividad
Pregunta 1: ¿Cuál ha sido la motivación o inspiración que te
ha llevado a desarrollar un trabajo creativo? ¿Puedes dar un ejemplo?
Resumen de la discusión
Nos
parece importante mencionar que nadie aludió a la remuneración económica como
una motivación de los procesos creativos.
L@s participantes identificaron muchas motivaciones diferentes. Destacaron principalmente las motivaciones sociales, como el compartir, el encuentro y la comunicación entre personas. También mencionaron cómo los trabajos creativos ayudan a un grupo a hallar una identidad propia y asimismo a ser reconocidos por otros. Se señaló que la creatividad es siempre algo social: nadie viene sol@ a este mundo; tod@s vienen de una madre. Los participantes destacaron como estímulos importantes el entorno, la naturaleza, la belleza, la cosmovisión y la comunicación con entidades superiores. Algun@s identificaron como estímulos de la creatividad, la necesidad de expresarse (sentimientos, sueños, memorias), de cambiar al mundo, de investigar, o incluso de resolver problemas concretos.
Celestino Campos y Janela Vargas - Fotografía: Phoebe Smolin
L@s
participantes discutieron sobre diferentes actitudes con respecto al cambio
cultural. Se defendió la idea de que cuando los mayores transmiten cultura a
l@s niñ@s y jóvenes en Pueblos Indígenas, al menos entre los Guaraní, no se
espera que ellos repitan exactamente lo que se les enseña. Al contrario, se les
enseña esperando que lo aprendido sea continuamente transformado, así se les
implanta una ‘semilla’
del cambio cultural esperado en estas sociedades. Ahora, ¿será esto algo
necesariamente negativo para una cultura?
Se dijo que la cultura tiene que adaptarse a los tiempos. Durante el taller, estas perspectivas
diferentes contrastaron con otras perspectivas que mostraron más negatividad
hacia los cambios culturales.
Estas
intervenciones generaron la pregunta: ¿si se adapta, se distorsiona? Algun@s se
centraron en el concepto de ‘distorsión’, pero la diferencia entre ‘distorsión’ y ‘adaptación’ parecía muy subjetiva. Entonces surgió la
pregunta: ‘Cuando uno recibe en un producto la creatividad de otro, y este
producto se modifica añadiéndole creatividad propia, ¿cuál de estas
creatividades es mejor o más válida?’
Aunque
la creatividad esté siempre relacionada con las experiencias, los conocimientos y los patrones previos, se afirma que todo lo creado ahora es ‘hacer de nuevo’.
Tomando en cuenta que la cultura no puede existir sin referencia al pasado,
surge una pregunta importante: ¿Cómo se puede encontrar el equilibrio entre el
respeto, el reconocimiento y la creatividad?
Ximena Martínez y Julieta Paredes - Fotografía: Henry Stobart
Algun@s
participantes distinguían entre la creatividad de l@s antepasad@s, inspirada y
vinculada con su entorno, y la creatividad usando la tecnología de hoy en día.
Otr@s insistían en que si bien la tecnología puede cambiar (observando que los
instrumentos musicales también son tecnología), hay cosas que no cambian. Se destacó la necesidad de analizar la
creatividad tomando en cuenta el patriarcado y la colonia; se recalcó que no se
puede hablar sólo en términos masculinos; más bien, se deben reconocer las diversas
creatividades que reflejan el sexo y los cuerpos marcados por el legado
colonial, que frecuentemente coloca a las mujeres como sujetos de segunda clase.
Actividad 2 - La creatividad y la remuneración
Pregunta 2:
¿Qué trabajo creativo puedes realizar sin
esperar remuneración? ¿Qué trabajo creativo consideras que debería ser
remunerado? ¿Puedes dar ejemplos? ¿En qué crees que se diferencian todos estos
casos?
Resumen de la discusión
Esta
segunda serie de preguntas fue más complicada y provocó menos discusión que la
primera (en parte debido a que se le dedicó menos tiempo).
Algunos
grupos identificaron, que en muchos casos, la tendencia es crear sin esperar
remuneración y, más bien, de buscar reconocimiento social (que en la práctica
puede ser muy limitado). Se agregó que normalmente no es necesario pagar por el
trabajo creativo cuando lo realiza uno mismo, o es cotidiano y hecho con cariño
o para compartir con amigos, familiares o con la comunidad. Sin embargo, hay
personas que viven del trabajo creativo, y éste debe ser pagado. Como se dijo
en un momento, “todo trabajo creativo debe ser remunerado.” Por otro lado,
también se dijo que “el arte se hace de corazón…no para recibir plata.” Se sugirió que tal vez la diferencia
entre el trabajo creativo que debería ser remunerado y el que no puede ser
determinada por las formas de relaciones interpersonales que existen. Por
ejemplo, algun@s consideran que cuando el trabajo creativo es interno a una
comunidad no debería ser pagado, pero cuando esta creación transciende los
límites locales, sí debería serlo. Se dijo que el trabajo creativo es parte
fundamental de lo que significa ser human@, pero que también hay que reconocer
cómo el significado de este trabajo cambia con el mercado. Se mencionó que la
plata cambia el significado de la creatividad y de las relaciones sociales
alrededor del trabajo creativo.
Iván Nogales y Juan Baptista Parapaino - Fotografía: Phoebe Smolin
A
pesar de las distintas visiones que se presentaron sobre la cultura y sus
dinámicas, hubo consenso en afirmar que la creatividad es también un campo de
relaciones de poder, y que ello muchas veces es olvidado o marginado durante
las discusiones sobre estos temas. En esta conversación, se mencionaron las
palabras “arte” y “artista” por un lado y “cultura” por otro. Esta es una
división que hasta cierto punto refleja tales relaciones de poder y sobre la cual
debemos cuestionarnos de forma crítica.
Durante
el transcurso de las conversaciones sobre este tema, l@s organizadores hicieron
breves intervenciones sobre enfoques dinámicos y globales de la cultura y la
historia de los derechos del autor. Por
ejemplo, a menudo se escucha por parte de las sociedades de gestión de derechos
de autor que la remuneración es un estímulo clave para la creatividad y que,
sin ella y sin su debida protección como propiedad intelectual, la motivación
para crear puede desaparecer. Sin embargo es importante recordar que, en algunas
leyes históricas, el autor o la editorial con licencia podía monopolizar los
derechos de su obra solamente por un tiempo limitado (por ejemplo, el Estatuto
de Anne de Inglaterra –1710–, las protecciones tenían una duración de 14 años,
con la posibilidad de extenderse por otros 14 años adicionales). Después de
este período, la obra pasaba a ser de dominio público, convirtiéndose en una
base para la creatividad de otros para así estimular la competencia entre los
propietarios de estos derechos. Se habló también de las grandes extensiones de
los plazos de tiempo durante los cuales se protegen los derechos de autor hoy
en día. Se habló también del estado actual de los derechos de autor en Bolivia,
de las explicaciones dadas por el OMPI y el Convenio de Berna. Se habló también de los retos que han
enfrentado los músicos norteamericanos de hip hop que trabajan con la estética
de lo remezclado (ver los estudios de caso y el glosario).
Mario Peñaranda y Ramón Caizari Coca - Fotografía: Phoebe Smolin
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